“The Holdovers: La soledad como punto de encuentro”

 La trayectoria de Alexander Payne es un recorrido fascinante por las emociones humanas y sus contradicciones, siempre desde un enfoque mordaz y lleno de empatía. Su debut llegó con Citizen Ruth (1996), una sátira afilada que puso en evidencia los extremos del debate sobre el aborto, sentando las bases de un cineasta dispuesto a incomodar y hacer pensar. Dos años después, Election(1999) consolidó su mirada crítica, con una comedia negra sobre la ambición y la política estudiantil que lo convirtió en una voz única dentro del cine independiente estadounidense.

Con About Schmidt (2002), Payne cambió de registro y exploró el vacío emocional de la vejez, llevando a Jack Nicholson a un territorio vulnerable y profundamente humano. Pero fue con Sideways (2004) donde alcanzó la cima: un viaje agridulce entre viñedos que se convirtió en un clásico moderno, tan lleno de humor como de melancolía.

The Descendants (2011) trajo consigo una reflexión sobre el duelo y la fragilidad familiar, mientras Nebraska (2013) lo llevó a las entrañas de la América rural, con un blanco y negro que capturaba la esencia misma de sus personajes. Payne siempre ha sabido encontrar belleza en lo mundano, incluso cuando se aventuró con la ciencia ficción en Downsizing (2017), una fábula ambiciosa que, aunque no fue del gusto de todos, reflejó su inquietud creativa.

Y es aquí, en The Holdovers(2023),donde Payne hace su regreso más sorprendente. Después de probar nuevas formas, el director vuelve al terreno que mejor domina: las relaciones humanas, la conexión inesperada, la ternura que emerge de las fisuras de la vida. The Holdovers no es solo una comedia navideña; es un ejercicio de nostalgia y reflexión, una obra que reconcilia al espectador con el sufrimiento que los personajes experimentan, y con la posibilidad de sanar. Payne ha vuelto a sus raíces, pero con un sentido más agudo de la complejidad humana. Esta película no es solo una historia sobre unas vacaciones en una escuela; es una meditación sobre el valor de la compañía, el dolor compartido y el proceso de abrirse al otro.

El ritmo de The Holdovers es deliberadamente pausado, casi como si Payne quisiera tomarse su tiempo para permitir que los personajes respiren. La historia avanza lentamente, pero lo hace de manera segura, llevando a los tres personajes principales, Paul (Paul Giamatti), Angus (Dominic Sessa) y Mary (Da’Vine Joy Randolph), por un proceso de auto-descubrimiento y reconciliación. La trama, aunque simple en su premisa, se convierte en una exploración de lo que significa ser humano en tiempos de soledad. El guion de David Hemingson es preciso, no busca el chiste fácil, sino que se sumerge en los matices del dolor y la ironía de estar atrapados en la vida, buscando una forma de sanación en los lugares menos esperados.

A lo largo de las dos semanas nevadas en Nueva Inglaterra, los tres personajes se encuentran con la disonancia de sus vidas rotas y, de alguna manera, hallan un refugio en su mutua compañía. Es una película que no busca la gran revelación, sino más bien la acumulación silenciosa de momentos pequeños y significativos que resuenan mucho después de que la pantalla se apaga. La estructura narrativa, cargada de momentos de tensión emocional, nunca pierde su ligereza, como si Payne nos invitara a reír, incluso cuando el dolor está presente.

El guion de David Hemingson es sencillo pero efectivo, permitiendo que los personajes crezcan lentamente a través de sus interacciones y de pequeños momentos de vulnerabilidad compartida. Los diálogos son cortantes y muchas veces cargados de humor negro, lo que añade una capa de complejidad al desarrollo de la película, sin dejar de lado las emociones profundas que emergen de la soledad y el dolor. La película, aunque tiene sus toques cómicos, nunca pierde su esencia reflexiva.

La película cuenta con tres interpretaciones destacadas. Paul Giamatti, como el profesor Paul Hunham, da vida a un personaje complejo, que pasa de la rigidez y la arrogancia a la vulnerabilidad y la apertura. Giamatti tiene la capacidad de transmitir tanto el cinismo como la ternura de su personaje, lo que lo convierte en el corazón emocional de la película. Dominic Sessa, como Angus, logra una actuación convincente como el joven rebelde, mostrando la frustración y la confusión de un adolescente atrapado entre el deseo de independencia y el anhelo de pertenencia. La verdadera revelación es Da’Vine Joy Randolph, quien interpreta a Mary, la cocinera que, con una mezcla de dulzura y dolor, se convierte en la figura de apoyo emocional del grupo. La química entre los tres actores es clave para el éxito de la película, y su interacción es lo que realmente impulsa la historia

The Holdovers tiene claras conexiones con algunas de las películas previas de Payne, particularmente con Sideways (2004), donde se exploran las relaciones humanas a través de un contexto en el que los personajes también están en búsqueda de algo más profundo. También guarda similitudes con The Descendants (2011), al centrarse en personajes que, aunque inicialmente distantes y rotos, encuentran una forma de reconciliación a través del contacto humano. En el contexto de comedias dramáticas sobre la vida en la madurez y la redención personal, The Holdovers sigue una línea de películas que exploran la soledad y el encuentro con uno mismo a través de la interacción con los demás.

Las anécdotas del rodaje, aunque discretas, hablan de la dedicación del equipo para construir una atmósfera que evocara la década de los 70 sin caer en la nostalgia barata. Paul Giamatti, como siempre, se sumerge en el personaje con una intensidad que no solo destaca por su habilidad para interpretar a hombres complejos, sino también por cómo humaniza a Paul Hunham, un hombre que parece estar atrapado en su propia pomposidad. Da’Vine Joy Randolph ofrece una interpretación de Mary que está cargada de dolor no dicho, mientras que Dominic Sessa, como el joven rebelde Angus, se encuentra atrapado en una adolescencia turbulenta que, en el fondo, no es más que un reflejo de su propio miedo al abandono.

La fotografía de The Holdovers, a cargo de Eigil Bryld, es uno de los aspectos más destacados de la película, ya que se convierte en una extensión del alma de los personajes. Bryld utiliza la nieve como un símbolo de aislamiento, pero también como una oportunidad para resaltar la belleza y la serenidad de la vida en medio del caos. Los planos amplios de los paisajes nevados crean una atmósfera de desolación, pero a la vez de introspección, como si los personajes, atrapados en su propio dolor, se encontraran en un espacio donde todo lo que los rodea es tan frío y distante como sus corazones. El uso de la luz es igualmente fundamental, creando contrastes entre la calidez de los momentos de interacción y la frialdad de las soledad interior de los personajes. El tratamiento del color y las texturas evoca un tono melancólico, pero no sin una dosis de esperanza que se percibe en esos pequeños momentos de conexión.

El atrezo, dirigido por Jeremy Woolsey, complementa perfectamente la narrativa visual. El escenario principal, el internado y sus alrededores, están impregnados de la nostalgia de los años 70. Los detalles en los muebles, en la decoración del comedor, y en la vestimenta de los personajes refuerzan la sensación de una época que, aunque no se busca recrear de forma excesiva, sirve como contexto emocional. La sencillez de los objetos cotidianos que rodean a los personajes subraya la modestia de sus vidas y las distancias emocionales que se interponen entre ellos. Sin embargo, a medida que las relaciones se desarrollan, ese entorno se convierte en un reflejo de su viaje emocional, transformándose de un lugar de frío y desconcierto en uno de calidez, aunque fugaz.

La banda sonora, compuesta por Mark Orton, también juega un papel esencial en la atmósfera de la película. Con un tono melancólico pero igualmente esperanzador, Orton crea una partitura que se siente a la vez moderna y nostálgica. Las composiciones musicales no solo acompañan los momentos de transición emocional, sino que también resuenan en la mente del espectador, invitándolo a experimentar la quietud de los paisajes nevados o la calidez de las conversaciones entre los personajes. Las melodías suaves y las capas instrumentales sutiles reflejan la quietud de los paisajes invernales, mientras que las tonalidades más intensas se reservan para los momentos de revelación emocional, reforzando el drama interno de los personajes.

En cuanto al vestuario, diseñado por Wendy Chuck, se ajusta perfectamente a la atmósfera de la película y a la época en la que se desarrolla. Los trajes de los personajes, desde la ropa de invierno de Paul hasta la simple pero significativa vestimenta de Mary, son una extensión de su personalidad. Paul, con su postura rígida, viste de forma formal, lo que refleja su distante y anticuada visión del mundo. Mary, por otro lado, lleva un vestuario sencillo, práctico y funcional, reflejando su carácter firme y sensible. La evolución en la vestimenta de ambos personajes a lo largo de la película refleja sus transformaciones internas, a medida que se abren a los demás y permiten que la humanidad brille a través de ellos.

La conclusión final de The Holdovers nos deja con una sensación de satisfacción tranquila, una que no busca respuestas fáciles ni finales redondeados. La película, a pesar de su tono de comedia, no elude los aspectos más dolorosos de la vida: la soledad, el sufrimiento y la pérdida. Payne no nos da la salida fácil de un final feliz tradicional, pero sí nos ofrece algo más poderoso: la posibilidad de encontrar consuelo en la humanidad compartida. No se trata de resolver todos los problemas, sino de aprender a navegar a través de ellos, con los demás a nuestro lado. La resolución de la película no está en lo que los personajes logran, sino en lo que descubren sobre sí mismos y sobre los demás, a través de la aceptación, la vulnerabilidad y la empatía.

El mensaje de Alexander Payne en The Holdovers es claro: a pesar de las barreras que nos separan, siempre hay espacio para la conexión humana. Nos invita a reconsiderar el valor de las relaciones en nuestras vidas, no como una solución a todos nuestros problemas, sino como un refugio y una fuente de consuelo, incluso en los momentos más oscuros. En un mundo lleno de distancias emocionales, lo que realmente importa es lo que somos capaces de ofrecer y recibir: nuestra humanidad compartida. La película es un recordatorio de que, aunque la vida esté llena de imperfecciones, las pequeñas victorias de la conexión genuina pueden, en última instancia, ser las que nos salvan.

Xabier Garzarain